Antonio Alvarez

Archive for the ‘OBRAS comentadas’ Category

Para JESUS VAZQUEZ

Había decidido no desprenderme de este dibujo, pero esta semana tuve la oportunidad de conocer a Jesús Vázquez y me apeteció regalárselo porque diferencia de muchos otros personajes mediáticos, maleducados y agresivos, Jesús siempre me había inspirado una profunda simpatía. La experiencia confirmó mis expectativas. Además de un gran profesional, creo que es buena gente y creo también que posee una de las cualidades más bonitas que puede tener una persona: la ternura.

Este es uno de mis dibujos favoritos sobre los Monegros. Es un trabajo de gesto puro y por tanto un reflejo directo de lo más intrínseco, de lo que ya forma parte de mí mismo. Por supuesto es, si se sabe leer, un autorretarto y hasta cierto punto una declaración de principios. Creo que transmite las dos características más importantes de este paisaje: la dureza y la sutileza.

Añadí este texto que traduce a palabras mi visión de los Monegros :

“Los Monegros es una comarca del este de Aragón, a caballo entre

Zaragoza y Huesca. Su paisaje semidesértico es único en toda Europa.

Sus colores, ocres y verdes rotos.

Sus luces, increíbles e infinitas.

Su viento, música.

Su silencio, sabiduría.

Su sol, implacable.

Su luna, compañera.

Su ritmo, la eternidad.

Su alma, como su textura, brusca, bella, salvaje y libre.

Esta tierra de extremos, ha destilado entre sus piedras la inmensa belleza que surge de la muerte conquistada por la vida.”

Un abrazo Jesús.

“Casa la Roya” (acuarela, 108 x 170)

“Casa La Roya” (Ariza). Acuarela s/papel Arches. 108 x 170

Hoy, martes 28 de julio de 2009, tras un año largo de capas de color y sentimientos, por fin, fin.

Seguramente podría seguir trabajando en el cuadro otro año más, y otro más…, pero eso sería un buen camino hacia la locura y de momento ya cuento con la dosis máxima admisible sin internamiento.

Todo comenzó un día soleado, hace unos tres años, volviendo de Madrid, al entrar en Ariza, ya no recuerdo porque. Al cabo de un rato de callejear, topé con esta casa en una plaza que según los lugareños a los que pregunté, no tiene nombre, como tampoco lo tiene la calle por la que se llega, sin embargo, la casa, a pesar de estar deshabitada desde un tiempo indefinible, es conocida como la “Casa La Roya”. Sea por lo que sea, es sugerente.

Una vez más empecé la casa por la ventana. Esta vez doblemente: Primero porque antes del cuadro ya tenía el título y  segundo porque lo que primero que vi fue su ventana (balcón en este caso).

Por cierto, la connotación negativa de “empezar la casa por la ventana”, me recuerda la cantidad de gente cuadriculada que por no salirse jamás del orden establecido (por otros) se pierde tantas cosas interesantes… y hace tanto la puñeta a los vocacionales del off road.

La casa de al lado, con cuyo vecino mantuve una amable conversación, tiene un balcón corrido, que en época de flores y brotes muestra todo el explendor de lo que bien podría llamarse jardinería tradicional de balcón de secano, y que junto a la barandilla de hierro, algun paño de lona trabajada por años de un sol de justicia, una cortina de tiras de plástico y algunos otros elementos maravillosamente indefinibles, conforma un bodegón de la más esencial naturalidad humano-rural.

Mi inclinación por la casa de “La Roya” seguramente tiene mucho que ver con ese universo caótico y lleno de poesía que habita ese balcón. Con la sinfonía de detalles inútiles. Con la belleza humilde de la imperfección no pretendida. Con la armonía tras el caos. Con la sabiduría de la serenidad. Con la mística contemplación de la simplicidad. Con la tranquilidad verdadera del ritmo natural del tiempo. Con la libertad del desapego.

No se nada de la Roya, pero por haber cultivado flores y por amontonar en su balcón esas latas oxidadas, esas macetas viejas, esos alambres y esas cuerdas y no haberlo dejado ordenado, sea un brindis por ella. Por ella y por todos aquellos que sin saberlo permiten a otros hacer cosas bellas.

Brindo por ellos.

ESCULTURA DE SAN AGUSTIN

EL PROCESO MATERIAL

El domingo pasado, 10 de mayo de 2009, en el colegio de los agustinos de Zaragoza (Aragón, España), se inauguró una escultura del fundador de la orden,  San Agustín.

Se trata de una escultura mural, realizada en acero cortén de 15 mm. de espesor . El conjunto  mide  3,50 m de ancho por 2,40 m. de alto y pesa 300 kg.

Desde el momento en que el director del colegio me hizo la propuesta hasta que, después de decenas de bocetos, me decidí por un diseño y fue aprobado por la comunidad , había pasado un año.
Durante el año siguiente hubo que buscar la solución a los problemas técnicos que planteaba el proyecto ya que al haber detalles muy delicados el proceso de corte habitual, el láser, quedaba descartado porque fundiría o deformaría las partes más delicadas. Investigando, descubrí una empresa que estaba usando un novedoso sistema de corte, de absoluta precisión y en frío. Simplemente agua a presión. Increíble pero cierto: El agua es capaz de cortar con una precisión de décimas de mílimetro una plancha de acero de 15 mm de espesor, y de cualquier otro material y grosor.
La pega entonces era que había que  pasar el diseño a autocad, que al ser un programa industrial no esta muy preparado para planteamientos artísticos. En definitiva hubo que redibujar todo el diseño, punto a punto. Yo trabajo con Photoshop que como no podía ser de otra forma no es compatible con el anterior por lo que tube que recurrir a un sufrido compañero para el tedioso trabajo de redidibujar, como he dicho, punto a punto, todo el proyecto. Una vez hecho esto se ploteó a tamaño real para corregir posibles errores y mejorar detalles finales. Finalmente se efectuó el corte sobre la plancha de acero.

Ya solo quedaba el proceso de oxidación. Desde el primer momento he tenido claro que no iba a recurrir a ningún tipo de acelerador del proceso. En primer lugar porque las tonalidades de la oxidación natural me gustan más y en segundo lugar, y más importante,  porque la filosofía que subyace a la obra exigía la coherencia de renunciar a lo fácil, a lo inmediato en favor de lo auténtico . Esto puede parecer una tontería, pero cosas como esta, invisibles, van formando el “alma de la obra”, que yo considero absolutamente imprescindible y que creo que es lo que realmente importa en toda obra arte.

Pasó un año oxidando al aire libre. Con riegos regulares, casi diarios, a manguera. Los últimos meses con un aspersor con programador. La incertidumbre sobre la duración del proceso,  unida a la impaciencia de unos y otros por ver la obra en su sitio definitivo casi me hacían sentir culpable cada vez que tenía que frustrar a alguien al contestar : “Aún no, paciencia.” Pero por fin, después de un año, el estado de oxidación ya era, al menos, aceptable. Y lo cierto es que la ligera irregularidad en el grado de oxidación, que me preocupaba un poco, una vez colocada se ha convertido en un valor añadido que aporta una textura sutil de matices muy interesantes. En cualquier caso la obra esta viva y, aunque lentamente, irá evolucionando. Eso sí, como su naturaleza pida.

Finalmente me preocupaba, y bastante, el proceso de colocación. El traslado era delicado porque había que evitar cualquier roce, marca o arañazo. El taladrar las placas de piedra que recubren la pared también podía complicarse. Finalmente la colocación exigía una precisión total para que los 23 puntos de anclaje encajaran a la perfección. Todo este proceso se realizó en dos días. El primero intervinimos siete personas durante 6 horas, sin parar un minuto. Al día siguiente, tres personas, cuatro horas más. Desde aquí mi agradecimiento a los profesionales de ANTARES que intervinieron. No podrían haber puesto más interés.

EL PROCESO CREATIVO

Creo de verdad, que la pintura, la escultura o la música son en sí mismos lenguajes y que como tales no necesitan el apoyo de otro lenguaje. Así que a las preguntas de qué significa y similares honestamente creo que no tiene mucho sentido contestar, aunque lo hago, por educación y porque se hacen con buena intención. No obstante siempre termino recomendando la contemplación paciente, que me parece una de las vías más importantes con las que cuenta el ser humano, quizás la única,  para conocer las cosas más importantes de la vida.

Dicho esto lo que si me parece muy interesante es saber cosas sobre el proceso interior del artista en relación a la obra.

En el mismísimo  momento de la propuesta se activó. Es algo difícil de explicar. Es como una aventura que comienza. Lo primero es sentir interés. Lo segundo más interés. Lo tercero pasión. Si no mejor no seguir, porque el arte necesita pasión y fuerza y si no nunca atravesará el demoledor territorio de la mediocridad.

Por supuesto que me apasionó la idea. No era difícil. San Agustín da mucho juego; intelectual, fundador de una orden religiosa, medio hereje, vividor, padre soltero, sabe Dios que otras cosas, obispo,  Padre de la Iglesia y santo. No simultáneamente y no necesariamente en ese orden, pero los ingredientes son esos. Era un reto  y todo un honor para mí .

La elección del material no es por tanto gratuita. Hierro. Duro. Util. Cotidiano. Humilde. Resistente. Franco. En realidad es un hierro un poco especial, acero cortén, su característica diferenciativa es su oxidación, en lugar de deteriorarlo crea una capa estable que lo hace resistente a la intemperie. Metafóricamente podríamos decir que es un hierro que ha sabido aprovechar las dificultades para  superase a sí mismo, en lugar de rendirse y oxidarse sin más. Esta claro que sobran, ceras, barnices o cualquier otro acabado.

El trazo, hecho con carbón. Adrede rudo. Adrede lleno de sutilezas. Adrede veloz. Adrede imprevisible. Adrede complejo. Adrede simple.

El mar, la playa, es otro elemento presente. Siempre influye. Abre la mente y el alma. Regala serenidad y siempre escucha. Y siempre contesta sabiamente.

Los niños en torno a su regazo. Expectantes. Atentos a su conversación cercana, segura y tierna a la vez.

La figura de San Agustín. Obispo con báculo y mitra. Sentado en una roca y con un auditorio infantil. Que pueden más.

El Libro entre todos. Del que todos reciben.

Solo “Toma y lee”.

Abajo, a la izquierda, hay una breve dedicatoria:

A Ana. Al

 

“Día del Corpus en Italia” (Copia de F. Pradilla)

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Día del Corpus en Italia. Copia de F. Pradilla (52,5×80)

En un acto de humildad, que no me caracteriza, he elegido esta obra, que es una copia, para comentarla en primer lugar,  porque han sido muchos los comentarios positivos que sobre ella me han llegado de diferentes personas que han visto el blog. Va pues mi agradecimiento  a ellas, que eso (agradecido) si lo soy. 

Este cuadro tiene dos historias.

La primera y más importante la de su autor original Francisco Pradilla, aragonés de Villanueva del Gállego (Zaragoza) que llegó a ser director del Museo del Prado, en el que se encuentran algunos de sus cuadros. Esta obra es, en palabras más o menos literales, del propio Pradilla, ” su mejor obra y sin ninguna duda la mejor acuarela que se ha pintado en todo el mundo”, según figura de su puño y letra en una carta, donde también da indicaciones precisas de como debía ser enmarcada. Supongo que Pradilla no era humilde, pero hace un par de años pude ver la obra original en una exposición monográfica  y yo que no soy nada amigo de adulaciones y bienesquedares sólo puedo exclamar con agradecida y emocionada admiración ! Chapeau !.

Por supuesto tiene oficio, maestría,  en el sentido más venerable de la palabra, tan maltratada y tan ultrajada en muchos ámbitos actuales entre los que ocupa especial lugar la pintura y el arte en general. Pero la perfección puede ser causa de la admiración pero no de la emoción. ¿ Que tiene esa vieja? Evidentemente no es tan interesante la respuesta como la pregunta.

Hace un tiempo hubo una fabulosa exposición temporal en el Prado sobre el retrato español.  No estaba. Lástima porque la exposición, cuasiperfecta, podría haber sido perfecta.  ¿Por qué no estaba? No lo se. Pero yo la eche de menos y pensé, seguramente equivocado, si tendría algo que ver el hecho de ser aragonés. No obstante, el otro Francisco estaba por allí. También pensé  si acaso el comisario/a responsable no se atrevió  a colgar una señorita acuarela entre toda una corte de honorables óleos. Sigo dudando.

La segunda historia. El motivo por el cual me decidí a hacer esta copia. Cuando la ví por primera vez, en una pequeña imagen de poca calidad en Heraldo de Aragón, me atrajo intensamente, me pareció que tenía “algo”. Por pura casualidad (?), como la mayoría de las mejores cosas que nos pasan, estaba haciendo un curso monográfico sobre Pradilla, de acuarela, idea y responsabilidad de mi querido Juan Baldellou, artista de pro y hombre honesto que me enseñó la técnica de la acuarela y me contagió una masoquista y casi obsesiva inclinación por el planteamiento, el procedimiento y el proceso, lento, lento, lento de la obra, algo poco frecuente y menos aún asociado a esta técnica. El caso es que me decidí a probar el reto. Me dije a mí mismo: si puedo pintar esto podré pintar cualquier otra cosa. Y así fue,  (tampoco yo soy humilde), lo conseguí. ”La fortuna sonríe a los osados” dijo Séneca.

Como curiosidades os puedo decir que esta pintado sobre papel manual de alto gramaje. Muy diferente en comportamiento ante la humedad al resto de papeles habituales (tardaba unos 15 minutos en humedecerse y otro tanto en perder la humedad). Otra curiosidad fue la duda de si Pradilla había empleado blanco opaco en una luz en la nariz. Por si acaso yo, que soy un purista, no lo usé. Eso complicaba bastante la cosa. Cuando años después pude ver al obra al natural, única forma de saberlo, descubrí que sí que lo había usado. No obstante aunque lo hubiera sabido en su momento, yo no lo hubiera utilizado. Uno es como es.

Sea lo que sea, este cuadro tiene algo que lo hace diferente y seguramente lo mejor es no llegar a saberlo. Así, entre tanto, posee una de las mejores y, al menos para mí, más irresistibles mezclas:

Belleza y misterio.