Como en los últimos años, estoy encantado de poder participar en esta exposición en la que todo lo recaudado repercute en beneficio de los niños con cáncer. La exposición se realiza en las Sala Goya de la Diputación General de Aragón (Pº María Agustín) del 10 al 20 de marzo de 2009 (inauguración día 10 a las ocho de la tarde).
Aquí muestro la obra con la que colaboro, es un apunte al óleo que pinté del natural una tarde de verano en una playa muy bonita que hay entre Creixel y Torredembarra. Esta zona es un humedal protegido por su interés ecológico en el que podemos disfrutar de pequeñas dunas con una vegetación característica llena de sutiles matices, especialmente en ese momento fronterizo entre el día y la noche, entre el sol y la luna, que era cuando yo empezaba a pintar. A veces se me hacía de noche pintando en mitad de las dunas. Una maravilla. Hay más de esta seríe en la galería de pequeños y medios formatos.
Si quieres saber algo más sobre ASPANOA pincha en este enlace: www.aspanoa.org
“A pesar de las dificultades por las que pasa nuestro mundo, nunca perdí en mi interior el amor en el que fui educado, ni la esperanza del hombre en el amor. En nuestra vida como en la paleta de pintor solo hay un color que da sentido a la vida y al arte: el color del amor”
Esta convicción fue durante toda su vida el credo de Chagall
Marc Chagall
(Chagall. Taschen. p.10)
antonio@antonio-alvarez.es
LUGAR: Espacio de Arte del Ilustre Colegio Oficial de Médicos de Zaragoza (calle Jesús Comín, 3-5)
INAUGURACION: 10 de diciembre a las 7,30h.
DURACION: Del 10 de-12-2009 al 11-1-2010
HORARIO: De lunes a viernes, de 10 a 13 y de 17 a 21 horas.
TITULO: MONEGROS
OBRA: Dibujos y obras de pequeño a gran formato realizados en acuarela, óleo, tinta china, carbón y pigmentos en polvo, en diferentes combinaciones.
Durante el tiempo de la exposición realizaré algunas obras en directo empleando algunas de las técnicas presentes en los trabajos expuestos. (las fechas las iré indicando aquí y también en el podrán dar información en el centro (976482621) a lo largo de la exposición.
MONEGROS. Tinta china y óleo s/papel (20x29)
Había decidido no desprenderme de este dibujo, pero esta semana tuve la oportunidad de conocer a Jesús Vázquez y me apeteció regalárselo porque diferencia de muchos otros personajes mediáticos, maleducados y agresivos, Jesús siempre me había inspirado una profunda simpatía. La experiencia confirmó mis expectativas. Además de un gran profesional, creo que es buena gente y creo también que posee una de las cualidades más bonitas que puede tener una persona: la ternura.
Este es uno de mis dibujos favoritos sobre los Monegros. Es un trabajo de gesto puro y por tanto un reflejo directo de lo más intrínseco, de lo que ya forma parte de mí mismo. Por supuesto es, si se sabe leer, un autorretarto y hasta cierto punto una declaración de principios. Creo que transmite las dos características más importantes de este paisaje: la dureza y la sutileza.
Añadí este texto que traduce a palabras mi visión de los Monegros :
“Los Monegros es una comarca del este de Aragón, a caballo entre
Zaragoza y Huesca. Su paisaje semidesértico es único en toda Europa.
Sus colores, ocres y verdes rotos.
Sus luces, increíbles e infinitas.
Su viento, música.
Su silencio, sabiduría.
Su sol, implacable.
Su luna, compañera.
Su ritmo, la eternidad.
Su alma, como su textura, brusca, bella, salvaje y libre.
Esta tierra de extremos, ha destilado entre sus piedras la inmensa belleza que surge de la muerte conquistada por la vida.”
Un abrazo Jesús.
“Casa La Roya” (Ariza). Acuarela s/papel Arches. 108 x 170
Hoy, martes 28 de julio de 2009, tras un año largo de capas de color y sentimientos, por fin, fin.
Seguramente podría seguir trabajando en el cuadro otro año más, y otro más…, pero eso sería un buen camino hacia la locura y de momento ya cuento con la dosis máxima admisible sin internamiento.
Todo comenzó un día soleado, hace unos tres años, volviendo de Madrid, al entrar en Ariza, ya no recuerdo porque. Al cabo de un rato de callejear, topé con esta casa en una plaza que según los lugareños a los que pregunté, no tiene nombre, como tampoco lo tiene la calle por la que se llega, sin embargo, la casa, a pesar de estar deshabitada desde un tiempo indefinible, es conocida como la “Casa La Roya”. Sea por lo que sea, es sugerente.
Una vez más empecé la casa por la ventana. Esta vez doblemente: Primero porque antes del cuadro ya tenía el título y segundo porque lo que primero que vi fue su ventana (balcón en este caso).
Por cierto, la connotación negativa de “empezar la casa por la ventana”, me recuerda la cantidad de gente cuadriculada que por no salirse jamás del orden establecido (por otros) se pierde tantas cosas interesantes… y hace tanto la puñeta a los vocacionales del off road.
La casa de al lado, con cuyo vecino mantuve una amable conversación, tiene un balcón corrido, que en época de flores y brotes muestra todo el explendor de lo que bien podría llamarse jardinería tradicional de balcón de secano, y que junto a la barandilla de hierro, algun paño de lona trabajada por años de un sol de justicia, una cortina de tiras de plástico y algunos otros elementos maravillosamente indefinibles, conforma un bodegón de la más esencial naturalidad humano-rural.
Mi inclinación por la casa de “La Roya” seguramente tiene mucho que ver con ese universo caótico y lleno de poesía que habita ese balcón. Con la sinfonía de detalles inútiles. Con la belleza humilde de la imperfección no pretendida. Con la armonía tras el caos. Con la sabiduría de la serenidad. Con la mística contemplación de la simplicidad. Con la tranquilidad verdadera del ritmo natural del tiempo. Con la libertad del desapego.
No se nada de la Roya, pero por haber cultivado flores y por amontonar en su balcón esas latas oxidadas, esas macetas viejas, esos alambres y esas cuerdas y no haberlo dejado ordenado, sea un brindis por ella. Por ella y por todos aquellos que sin saberlo permiten a otros hacer cosas bellas.
Brindo por ellos.
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Junio 29th, 2009 Posted 12:12
Tarjetón de invitación
La inauguración esta prevista para el sábado 6 de junio a las ocho de la tarde. La exposición se mantendrá hasta el 26 de julio de 2009. Me apetece muchísimo porque el espacio, mejor dicho los espacios expositivos tienen mucha personalidad. También el pueblo y el entorno son muy especiales. Tengo total libertad para el planteamiento, lo que añade atractivo, puedo seleccionar música, incluir vídeo…. Conforme vayan surgiendo las ideas de lo que voy a hacer lo iré adelantando aquí.
LOS DOMINGOS POR LA TARDE, LOS LUNES Y LOS MARTES ESTA CERRADO EL MUSEO. DE MIERCOLES A SABADO ESTA ABIERTO POR LA MAÑANA DE 11 A 2 Y POR LA TARDE DE 5,30 A 9 Y LOS DOMINGOS POR LA MAÑANA DE 11 A 2
El titulo de la exposición es “AL CORAZÓN”, y ese es el único o el principal nexo entre todas las obras que voy a llevar, aparentemente muy variadas en técnicas motivos y tamaños, ya se que eso no es comercial, que puede dar impresión de dispersión, de falta de estilo, etc. y me importa un bledo. (!Que sensación de libertad poder decirlo!). Personalmente me resulta aburridísimo trabajar siempre en lo mismo o de la misma forma o con los mismos materiales. No obstante lo respeto, sencillamente, para bien o para mal, yo no soy así. Por algún motivo nunca he olvidado estos versos de León Felipe que venían en el libro de Literatura de COU y que decían, más o menos:
No rezar nunca como el sacristán sus rezos.
Pasar por todo una vez,
una vez solo y ligero.
Que no hagan cayo las cosas,
ni en el alma ni en el cuerpo.
Espero que os guste y si queréis darme opiniones, aquí mismo lo podéis hacer.
ANTON CASTRO me ha escrito el siguiente texto que hemos impreso en unos tarjetones para los visitantes de la exposición:
LOS PINTORES DE UN PINTOR
Fue el músico Carlos Satué quien me puso tras la pista del pintor e ilustrador Antonio Álvarez. Cuando vi su obra le dije, de forma idéntica al galerista y fotógrafo Pepe Rebollo: “¡Cuántos pintores hay en ti!”. Es cierto. En Antonio Álvarez hay varios artistas. O mejor: hay, ante todo, un pintor que va y viene por campos abiertos y encrucijadas, un pintor que no se afana en tener un estilo sino en hallar estilos, sesgos, manchas, emociones. Antonio es un pintor que enreda, que inventa, que disfruta con los materiales, con los secretos del oficio. De entrada, es un amanuense: alguien que se embadurna los ojos, el corazón y las manos con el paisaje, con lo que se ofrece, suntuoso o untuoso, ante esa mirada hambrienta de formas, de destellos, de instantáneas y de texturas. Y es también un trabajador que desprecia el cansancio o la tiranía del tiempo: crea, investiga, busca, con la paciencia del orfebre, con la voracidad de quien desea someter, temblor a temblor, ondulación a ondulación, todas las luces de las estaciones.
Donde mejor se ve a Antonio es en su estudio. Tiene dos, en realidad. Uno, en los bajos de su casa, en su bodega, repleta de marinas, de horizontes, de flores, de figuras insinuadas, de juegos con la madera, de mosaicos que copian a la vertiginosa acuarela segmentos de la naturaleza. Ahí, con esa pulsión incontenible que en él es pasión por la vida, connivencia con el misterio, opera con frenesí, a golpe de intuición, con gestos, con huellas de sombra y de luz sobre el papel, el lienzo o la madera. Ahí nos encontramos al pintor intimista y variado, que no se conforma con nada, que no se conforma con hacer siempre variaciones sobre un único tema. En la muestra se percibe claramente esta línea de investigación de Antonio Álvarez: asómense a sus plantas, a sus terrenos, a sus vaguadas, asómense a los campos desmayados y ocres donde el fuego alinea los trigales, alza muros o sigue las líneas de fuga de lontananza. Asómense a sus mares y a sus noches. Ahí se percibe qué es un pintor y el enigma de la pintura en formatos pequeños: aguadas, tintas chinas, carbones, óleo, acrílicos… Antonio Álvarez se sitúa en el centro del mundo con toda la ebullición de las imágenes.
Hay otra parte fundamental de Antonio: su condición de pintor hiperrealista que explora la huella de la decadencia en el paisaje urbano, el olvido que se instala en las casas decrépitas como un lamparón. Estas obras son tan minuciosas que Antonio invierte muchos meses en cada una de ellas. Las realiza en su taller exterior, más luminoso y despejado, a la técnica de la acuarela, de gran formato. La claridad del jardín germina y se instala en las piezas, con lentitud, con la costra de un oro viejo o el aroma de un ponche de siglos. Ahí, con calma y concentración, pincelada a pincelada. Antonio Álvarez alza sus paisajes, sus ruinas, sus bellezas demolidas o heridas por el inexorable paso de las horas y la fecundación del pasado.
En esta muestra está Antonio Álvarez al completo. El soñador, el místico, el artesano incansable del color. Aquí está un hombre de acción que encierra el mundo en el gesto de la mano y descompone, para todos, su hermosura y sus desgarros.
Antón Castro.
Gracias Antón por tu generosidad.
Más sobre el lugar: www.arqueotur.org/yacimientos/museo-juan-cabre.html
Me estoy planteando organizar para este verano un curso de pintura de paisaje del natural, el único requisito es ser mayores de edad . La duración oscilaría de un fin de semana a cuatro o cinco días. Existe la posibilidad de diseñar el curso para grupos ya formados o de apuntarse individualmente.
El objetivo es disfrutar pintando del natural.
Para eso lo ,primero será perder el miedo.
Lo segundo, tercero y cuarto, pintar.
A partir de lo sesegundo sentirse muy satisfecho de los resultados.
Y como no voy a ser menos que el corte inglés… El que no quede satisfecho. Mejor, muy satisfecho. Le devolvemos su dinero.
Aquellos que estéis interesados en tener más información podéis poneros en contacto conmigo mediante un comentario aquí o por email a antonio@antonio-alvarez.es
Si no os contesto el mismo día es por que no lo he recibido.
Escultura mural de San Agustín (3,5m. x 2,4m.)
EL PROCESO MATERIAL
El domingo pasado, 10 de mayo de 2009, en el colegio de los agustinos de Zaragoza (Aragón, España), se inauguró una escultura del fundador de la orden, San Agustín.
Se trata de una escultura mural, realizada en acero cortén de 15 mm. de espesor . El conjunto mide 3,50 m de ancho por 2,40 m. de alto y pesa 300 kg.
Desde el momento en que el director del colegio me hizo la propuesta hasta que, después de decenas de bocetos, me decidí por un diseño y fue aprobado por la comunidad , había pasado un año.
Durante el año siguiente hubo que buscar la solución a los problemas técnicos que planteaba el proyecto ya que al haber detalles muy delicados el proceso de corte habitual, el láser, quedaba descartado porque fundiría o deformaría las partes más delicadas. Investigando, descubrí una empresa que estaba usando un novedoso sistema de corte, de absoluta precisión y en frío. Simplemente agua a presión. Increíble pero cierto: El agua es capaz de cortar con una precisión de décimas de mílimetro una plancha de acero de 15 mm de espesor, y de cualquier otro material y grosor.
La pega entonces era que había que pasar el diseño a autocad, que al ser un programa industrial no esta muy preparado para planteamientos artísticos. En definitiva hubo que redibujar todo el diseño, punto a punto. Yo trabajo con Photoshop que como no podía ser de otra forma no es compatible con el anterior por lo que tube que recurrir a un sufrido compañero para el tedioso trabajo de redidibujar, como he dicho, punto a punto, todo el proyecto. Una vez hecho esto se ploteó a tamaño real para corregir posibles errores y mejorar detalles finales. Finalmente se efectuó el corte sobre la plancha de acero.
Ya solo quedaba el proceso de oxidación. Desde el primer momento he tenido claro que no iba a recurrir a ningún tipo de acelerador del proceso. En primer lugar porque las tonalidades de la oxidación natural me gustan más y en segundo lugar, y más importante, porque la filosofía que subyace a la obra exigía la coherencia de renunciar a lo fácil, a lo inmediato en favor de lo auténtico . Esto puede parecer una tontería, pero cosas como esta, invisibles, van formando el “alma de la obra”, que yo considero absolutamente imprescindible y que creo que es lo que realmente importa en toda obra arte.
Pasó un año oxidando al aire libre. Con riegos regulares, casi diarios, a manguera. Los últimos meses con un aspersor con programador. La incertidumbre sobre la duración del proceso, unida a la impaciencia de unos y otros por ver la obra en su sitio definitivo casi me hacían sentir culpable cada vez que tenía que frustrar a alguien al contestar : “Aún no, paciencia.” Pero por fin, después de un año, el estado de oxidación ya era, al menos, aceptable. Y lo cierto es que la ligera irregularidad en el grado de oxidación, que me preocupaba un poco, una vez colocada se ha convertido en un valor añadido que aporta una textura sutil de matices muy interesantes. En cualquier caso la obra esta viva y, aunque lentamente, irá evolucionando. Eso sí, como su naturaleza pida.
Finalmente me preocupaba, y bastante, el proceso de colocación. El traslado era delicado porque había que evitar cualquier roce, marca o arañazo. El taladrar las placas de piedra que recubren la pared también podía complicarse. Finalmente la colocación exigía una precisión total para que los 23 puntos de anclaje encajaran a la perfección. Todo este proceso se realizó en dos días. El primero intervinimos siete personas durante 6 horas, sin parar un minuto. Al día siguiente, tres personas, cuatro horas más. Desde aquí mi agradecimiento a los profesionales de ANTARES que intervinieron. No podrían haber puesto más interés.
EL PROCESO CREATIVO
Creo de verdad, que la pintura, la escultura o la música son en sí mismos lenguajes y que como tales no necesitan el apoyo de otro lenguaje. Así que a las preguntas de qué significa y similares honestamente creo que no tiene mucho sentido contestar, aunque lo hago, por educación y porque se hacen con buena intención. No obstante siempre termino recomendando la contemplación paciente, que me parece una de las vías más importantes con las que cuenta el ser humano, quizás la única, para conocer las cosas más importantes de la vida.
Dicho esto lo que si me parece muy interesante es saber cosas sobre el proceso interior del artista en relación a la obra.
En el mismísimo momento de la propuesta se activó. Es algo difícil de explicar. Es como una aventura que comienza. Lo primero es sentir interés. Lo segundo más interés. Lo tercero pasión. Si no mejor no seguir, porque el arte necesita pasión y fuerza y si no nunca atravesará el demoledor territorio de la mediocridad.
Por supuesto que me apasionó la idea. No era difícil. San Agustín da mucho juego; intelectual, fundador de una orden religiosa, medio hereje, vividor, padre soltero, sabe Dios que otras cosas, obispo, Padre de la Iglesia y santo. No simultáneamente y no necesariamente en ese orden, pero los ingredientes son esos. Era un reto y todo un honor para mí .
La elección del material no es por tanto gratuita. Hierro. Duro. Util. Cotidiano. Humilde. Resistente. Franco. En realidad es un hierro un poco especial, acero cortén, su característica diferenciativa es su oxidación, en lugar de deteriorarlo crea una capa estable que lo hace resistente a la intemperie. Metafóricamente podríamos decir que es un hierro que ha sabido aprovechar las dificultades para superase a sí mismo, en lugar de rendirse y oxidarse sin más. Esta claro que sobran, ceras, barnices o cualquier otro acabado.
El trazo, hecho con carbón. Adrede rudo. Adrede lleno de sutilezas. Adrede veloz. Adrede imprevisible. Adrede complejo. Adrede simple.
El mar, la playa, es otro elemento presente. Siempre influye. Abre la mente y el alma. Regala serenidad y siempre escucha. Y siempre contesta sabiamente.
Los niños en torno a su regazo. Expectantes. Atentos a su conversación cercana, segura y tierna a la vez.
La figura de San Agustín. Obispo con báculo y mitra. Sentado en una roca y con un auditorio infantil. Que pueden más.
El Libro entre todos. Del que todos reciben.
Solo “Toma y lee”.
Abajo, a la izquierda, hay una breve dedicatoria:
A Ana. Al
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